El tiempo
Película que la considero una fábula de tono dramático.
Guión:
Transcurre en el año 2006, según muestra un calendario en el depto de la protagonista.
El comienzo de la película es igual al final, cuando una jóven sale de un Centro de Cirugías Estética con un portarretrato chocando con otra jóven, se rompe el vidrio y se muestra la foto de una persona con aspecto desquiciado. Pero no es la misma.
El director destaca la importancia que le dan las jóvenes a su aspecto físico (rostro) para atraer a su novio.
En Corea el 50 % de las jóvenes recurren a la cirugía plástica.
Pero este tema puede ocurrir en cualquier lugar del mundo, se muestra una ciudad moderna, con tecnología de avanzada
Hay escenas de celos, por parte de la jóven cada vez más intensa en parte por la falta de interés de su novio.
La escena donde recorta figuras para diseñar un rostro nuevo, hay un ojo celeste, de origen posiblemente occidental.
Hay escenas también de gritos (bar) de golpes con el cirujano, y con otro comensal del bar., en tonos de voz muy altos, y con muchas palabras por parte de la protagonista.
A medida que avanza la película el espectador está pendiente de los cambios que pueden ocurrir, tanto en la jóven como en su relación con la pareja.
Me gustó la escena de la pelota, pateando de un extremo a otro por intermedio de un niño, es un juego que los hace sonreir y hay unos minutos de distensión en el espectador
El contraste de la fotografía sonriente pegada a su nueva cara, y el llanto por debajo .de la máscara. me sensibilizó.
La escena en que el médico cirujano por teléfono le dice a la protagonista que él novio también se ha operado por amor y que tiene que esperar otros 6 meses, me pareció irreal., Es el punto inicial por la búsqueda de su novio entre los dos muchachos que se presentan a posteriori.
El final , el atropello de un vehículo a un sujeto, sería su novio, todo desfigurado y sangriento, ella lo ha podido reconocer????
Finaliza la película con una moraleja absurda, con una nueva operación de la joven para estar desfigurada.
Música: Poca y muy suave, algo de piano, en el bar, en la exposición de cuadros, y sonidos de la calle de frenadas. de vehículos.
Fotografía:
Muy buena, especialmente destaco las del parque con las esculturas apreciándolas en distintos momentos. Colores pasteles y claros, contrastando con el rojo de la sangre. Otra imagen en el barco y el detalle de las gaviotas con fondo el mar.
Cámaras. Hay primeros planos, imágenes de la operación en en primerísimo plano mostrando boca, nariz, y hay otras tomas que la cámara acompaña a los protagonistas, y en las calles hay barrido de cámara .
Casting: Muy bien elegidos todos los actores,
,
El tiempo, que transcurre, lo relacioné a las estaciones de la película (primavera. otoño y primavera) aquí el tiempo cronológico es de 6 meses entre la operación y el buen aspecto facial de la operada , más los 6 meses después de la operación de él.
Ese tiempo que transcurre se observa en el parque con la escultura, con crecida del mar, ó seco con piso arenoso-limoso, y algo grisaceo que de lejos parecía nieve )eso fue en invierno .
Creo que el director : expresa “ no es cambiando sólo el rostro (aspecto físico)que hará gustar ó amar , porque el interior de las persona, su intelecto, su locura y celos se encuentran iguales.
Esta fantasía hace que pueda valorarse sólo su cara.
Lo absurdo es no reconocer a una persona que ha convivivido 2 años, ni por la manera de caminar, ni por la estructura corporal,(alto y ancho) ni por el tacto de sus manos, ni por su voz.
Hay o una escena de una calle repleta de coreanos, supongo que regresando ó yendo al trabajo, el director quizás quiso notar que hay gente más normal, totalmente ajenos a la mente destructiva de la protagonista.
Además quiera destacar que no se sabe nada de la vida de los jóvenes, a que se dedicaban, sólo que el muchacho con hobby a la fotografía, y computadoras,
De ella que empieza a trabajar con su segunda cara en el bar.
Ambos tenían deptos bien equipados, modernos. No se conoce sus flías, algunos amigos de él, y solo una amiga de ella.
Para mi entonces el director solo quiso mostrar la conducta obsesiva de la protagonista las consecuencias de su accionar, como su autodestrucción.,y como consecuencia tambíen la relación de pareja.
miércoles, 27 de junio de 2007
Elsa :Compar: entre Novecento y la 1ra parte de la Buena Juventud
Comparación: entre Novecento y la Juventud
Ambas las disfruté desde su principio hasta el final.,Novecento me pareció mucho más profunda
1,.La presentación de las dos películas son semejantes, con fotos estáticas de las épocas
, Novecento con ropas y gente del campesinado, en la Juventud creo que fotos de algunos personajes famosos de los años 70.-80
2.-Desde el punto de vista de la estética: La primera parte de Novecento es más visual, los campos como un cuadro con , colores de pintores impresionistas no así la segunda parte que es más dialogada ,con algunas escenas muy fuertes semejante a la Juventud, que es más hablada, las escenas del manicomio es una muestra visual tambíen.
.
3.-Con respecto a momentos políticos- sociales
Hay frases mucho más politizadas en Novecento (la ley está siempre del lado del patrón, nuestros hijos serán lo que sembramos, el patrón ha muerto pero Alfredo Berlingeri vive, no va a haber diferencia entre el que trabaja y el dueño de la tierra.)
1.- La mano de obra y los despidos
a) en novecento, la trilladora reemplaza a los braceros, y años más tarde el caballo , es reemplazado por el tractor, signo de avance de la maquinaria agrícola sobre el hombre en cualquier sociedad de entonces.
Hay despido de los campesinos , según el patrón ha dicho que tuvo que reemplazarlos debido a que los hombres se fueron a la guerra.. Se habla de sindicatos y ligas, organizan huelgas cuando se pierde la cosecha y no hay comida.
en la Juventud, se habla de los despidos pej el caso Fiat, con 23.000 despidos, motivada por adelantos tecnológicos, competencia entre empresas y especialmente económicos –financieros y deudas por un manejo de mala administración (según dicen los protagonistas).
2,.La comparación entre las dos vidas diferentes y paralelas , entre dos jóvenes que se quieren y sienten un profundo afecto.
en Novecento son dos “amigos de la niñez, nacidos el mismo día (muerte de Verdi, 1901) pero uno es el futuro patrón y el otro niño será un campesino con ideas socialistas- El niño –jóven campesino elige irse a Venecia para luego ser soldado en la primera Guerra Mundial
En la Juventud, son las vidas que siguen 2 hermanos Carati de una clase media burguesa y en los primeros años de universidad se sienten amigos, además de hermanos pero luego siguen otros caminos. Aquí uno (Mateo)elige ir al ejército, y luego entrar en la Policía .y el otro Nicola se dirige a Turín para seguir estudiando , ambos deciden alejarse de la casa familiar en Roma.
3) En Novecento se compara las 2 clases sociales , tanto en los bailes, en la ropa, en la comida, en la Juventud, se ve una clase media , de chicos universitarios en su comienzo en un depto cómodo y amplio .donde viven con sus padres en el comienzo de la película.
4.- Las dos mujeres de los dos protagonistas abandonan a su pareja .a pesar que ambas los aman.
En Novecento por ver que su marido (el patrón) tiene poco carácter, mostrando pasividad al no poder afrontar a su capataz y pareja de su prima , incipiente fascista y asesino Cuando lo echó al capataz fue demasiado tarde, ella nunca regresó.,
En la Juventud , Julia, la mujer del médico, con ideas anarquistas en su inicio, termina como miembro de las Brigadas Rojas, promoviendo terrorismo ,se considera que no es una buena madre .y no sólo abandona a su esposo sino aquí también a su hija Sara.
.-
5.-) Dos momentos sociológicos –culturales.
Novecento: muestra el consumo de cocaína en una jóven de 21 años, y el jóven y futuro patrón como divertimento y escapismo. signo de entonces de una clase alta
En la Juventud, muestran una etapa de la psiquiatría ,y psicología (logoterapia), y el fin del uso del electroshock.
6 )El inicio sexual ó experiencia con una prostituta, en ambas películas en Novecento con una epiléptica que lo hace para comer, en la Juventud el hermano mayor con alguna experiencia guía al hermano y sus amigos.
7) Las dos películas muestran vías y trenes.
Novecento, de niños juegan en las vias y se recuestan sobre las mismas cuando pasan el tren repitiendo esa escena de viejo al fin de la película.. Olmo tambíen baja de un tren cuando regresa de la guerra
. En la Juventud, se viaja mucho en tren por las distintas ciudades importantes, entre los años 65/70. Posiblemente era el medio de comunicación en Italia más común por dichos años(para los jóvenes sin auto) en cambio hacia fines de los 70 , manejan en las carreteras .
8)Con respecto al montaje.ó edición:: Novecento comienza el 25 /4 1945 día de la Liberación, con el desquite de los campesinos con sus horquillas y rastrillos ,ante la pareja fascista y luego se retrotrae con el comienzo de la historia el día de la muerte de Verdí, y el nacimiento de un hijo bastardo de una campesina con el hijo del patrón (en ese momento representado por Burt Lancaster)y luego se retoma el día de la Liberación,(segunda parte) con el juicio popular y termina la película siendo los dos protagonistas ancianos , en cambio en la Juventud el montaje es bien lineal por lo menos entre los años 1965 a 1980.
Ambas las disfruté desde su principio hasta el final.,Novecento me pareció mucho más profunda
1,.La presentación de las dos películas son semejantes, con fotos estáticas de las épocas
, Novecento con ropas y gente del campesinado, en la Juventud creo que fotos de algunos personajes famosos de los años 70.-80
2.-Desde el punto de vista de la estética: La primera parte de Novecento es más visual, los campos como un cuadro con , colores de pintores impresionistas no así la segunda parte que es más dialogada ,con algunas escenas muy fuertes semejante a la Juventud, que es más hablada, las escenas del manicomio es una muestra visual tambíen.
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3.-Con respecto a momentos políticos- sociales
Hay frases mucho más politizadas en Novecento (la ley está siempre del lado del patrón, nuestros hijos serán lo que sembramos, el patrón ha muerto pero Alfredo Berlingeri vive, no va a haber diferencia entre el que trabaja y el dueño de la tierra.)
1.- La mano de obra y los despidos
a) en novecento, la trilladora reemplaza a los braceros, y años más tarde el caballo , es reemplazado por el tractor, signo de avance de la maquinaria agrícola sobre el hombre en cualquier sociedad de entonces.
Hay despido de los campesinos , según el patrón ha dicho que tuvo que reemplazarlos debido a que los hombres se fueron a la guerra.. Se habla de sindicatos y ligas, organizan huelgas cuando se pierde la cosecha y no hay comida.
en la Juventud, se habla de los despidos pej el caso Fiat, con 23.000 despidos, motivada por adelantos tecnológicos, competencia entre empresas y especialmente económicos –financieros y deudas por un manejo de mala administración (según dicen los protagonistas).
2,.La comparación entre las dos vidas diferentes y paralelas , entre dos jóvenes que se quieren y sienten un profundo afecto.
en Novecento son dos “amigos de la niñez, nacidos el mismo día (muerte de Verdi, 1901) pero uno es el futuro patrón y el otro niño será un campesino con ideas socialistas- El niño –jóven campesino elige irse a Venecia para luego ser soldado en la primera Guerra Mundial
En la Juventud, son las vidas que siguen 2 hermanos Carati de una clase media burguesa y en los primeros años de universidad se sienten amigos, además de hermanos pero luego siguen otros caminos. Aquí uno (Mateo)elige ir al ejército, y luego entrar en la Policía .y el otro Nicola se dirige a Turín para seguir estudiando , ambos deciden alejarse de la casa familiar en Roma.
3) En Novecento se compara las 2 clases sociales , tanto en los bailes, en la ropa, en la comida, en la Juventud, se ve una clase media , de chicos universitarios en su comienzo en un depto cómodo y amplio .donde viven con sus padres en el comienzo de la película.
4.- Las dos mujeres de los dos protagonistas abandonan a su pareja .a pesar que ambas los aman.
En Novecento por ver que su marido (el patrón) tiene poco carácter, mostrando pasividad al no poder afrontar a su capataz y pareja de su prima , incipiente fascista y asesino Cuando lo echó al capataz fue demasiado tarde, ella nunca regresó.,
En la Juventud , Julia, la mujer del médico, con ideas anarquistas en su inicio, termina como miembro de las Brigadas Rojas, promoviendo terrorismo ,se considera que no es una buena madre .y no sólo abandona a su esposo sino aquí también a su hija Sara.
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5.-) Dos momentos sociológicos –culturales.
Novecento: muestra el consumo de cocaína en una jóven de 21 años, y el jóven y futuro patrón como divertimento y escapismo. signo de entonces de una clase alta
En la Juventud, muestran una etapa de la psiquiatría ,y psicología (logoterapia), y el fin del uso del electroshock.
6 )El inicio sexual ó experiencia con una prostituta, en ambas películas en Novecento con una epiléptica que lo hace para comer, en la Juventud el hermano mayor con alguna experiencia guía al hermano y sus amigos.
7) Las dos películas muestran vías y trenes.
Novecento, de niños juegan en las vias y se recuestan sobre las mismas cuando pasan el tren repitiendo esa escena de viejo al fin de la película.. Olmo tambíen baja de un tren cuando regresa de la guerra
. En la Juventud, se viaja mucho en tren por las distintas ciudades importantes, entre los años 65/70. Posiblemente era el medio de comunicación en Italia más común por dichos años(para los jóvenes sin auto) en cambio hacia fines de los 70 , manejan en las carreteras .
8)Con respecto al montaje.ó edición:: Novecento comienza el 25 /4 1945 día de la Liberación, con el desquite de los campesinos con sus horquillas y rastrillos ,ante la pareja fascista y luego se retrotrae con el comienzo de la historia el día de la muerte de Verdí, y el nacimiento de un hijo bastardo de una campesina con el hijo del patrón (en ese momento representado por Burt Lancaster)y luego se retoma el día de la Liberación,(segunda parte) con el juicio popular y termina la película siendo los dos protagonistas ancianos , en cambio en la Juventud el montaje es bien lineal por lo menos entre los años 1965 a 1980.
lunes, 25 de junio de 2007
Aportes Alter y Reni Película El tiempo
EL TIEMPO
Cuenta una historia cuyo argumento es Universal, pero lo hace con un encuadre contemporáneo y brutal, tan brutal como el abordaje actual que tienen muchos o jóvenes y no tanto, con el mismo tema: los celos, el desgaste, el paso del tiempo. Factores que afectan a todas las parejas. Dicen muchos psicólogos que finalmente, lo único que busca cada persona es amar y ser amado.
La problemática es cruda y el director la transmite a través de un relato crudo: allí su ideología ya que busca que la gente tome conciencia de una situación que en muchos ronda escondida en su inconsciente.
No hay sutilezas. Las cosas crueles se muestran cruelmente; hiperrealísticamente. La falta de paz interior se muestra con todas sus consecuencias.
El relato es circular, diría que laberíntico, mostrando que la salida es difícil o no existe. Todos los cambios exteriores son tan dolorosos que, en términos de balance o de costo-beneficio, nunca aportan el éxito que la gente deposita en ellos tanto en términos de belleza, de contrarrestar el paso del tiempo, de facilitar la obtención de trabajo, de seducción.
¿Cuál es el tema central de la película?. ¿El amor?. ¿El envejecimiento físico?. ¿La histeria?. ¿El descontrol?. ¿Actuar como respuesta a impulsos histéricos o incentivados por drogas y/o alcohol?. ¿Creer en la banalidad de pensar que cambiado el rostro cambiará el mundo a favor de los deseos del personaje?. O quizás una exquisita combinación de todos ellos. Una problemática hiperactual de hombres y mujeres. Quizás sea un problema de cómo se construye la identidad:
Leí un comentario que dice: La película nos pone durante unos segundos en la piel de quien ha cambiado la suya, en la carne de quien ya no tiene la propia porque no la soporta, en los ojos del que está afuera de todo, afuera del mundo, fuera de sí.
La histeria es mostrada desde varios puntos. El objetivo es sólo ser objeto del deseo y no su concreción. Tal como se aprecia en la rueda de 3 parejas, donde el gordo y borracho le pega al compañero que toca a la compañera de aquel, a pesar de tener el gordo su propia pareja, la invitación a pasar la noche en la casa de una personaje y echar a su compañero cuando se produce el primer acercamiento físico con objetivos sexuales, los diálogos abruptos en el bar...
Es muy interesante la ubicación de los personajes en la isla de los sueños: todas las piezas artísticas están relacionadas con el sexo. Son figuras elaboradas, (ninguna explícita), todas referidas a desnudos o situaciones sexuales. Son representación de las fantasías de todos los que la visitan. Pero esas fantasías desaparecen rápidamente con la crecida del agua que baña las costas: son fantasías muy etéreas. La única formación que queda es una en la cual suben (como símbolo de elevación) y es la única que les facilita algún dialogo.
La obtención de nuevas bellezas físicas es un paradigma moderno (obsesión por las apariencias). Se ve claramente en dos intervenciones del cirujano, mediante dos preguntas totalizadoras: ¿querés que te haga irreconocible?, ¿querés volver a ser la que eras?
Hay otro paradigma asociado: la violencia es ejercida por los personajes sobre si mismos cuando tradicionalmente se lo hacía para con terceros.
La piel es una delgada capa que comunica dos tipos de bellezas de un mismo y único cuerpo: un rostro severo es un muestra de durezas internas o de historias de sufrimiento. Un rostro afable (posible forma de belleza) espeja calidez generalmente fabricada por un interior armónico. Por lo tanto, un cambio de forma exterior (sin mediar reparación de un accidente traumático) difícilmente resuelva las dificultades generadas por el interior de una persona. Para conformarlo, recordemos la frase del personaje cuando dice “las cosas salieron como yo quería pero no me veo feliz” ó “cerrá los ojos y pensá en otra mujer para poder tener sexo completo”.
La película habla de la mengua de sentimientos críticos de la persona, de la falta de tomar posición en ciertos aspectos: se presta a la publicidad para la obtención de la belleza sin medir los medios a emplearse para su logro. Sigue como manada a la promesa publicitaria ofrendando su interior en busca de la forma que el tiempo impuso. Seguramente lo hará con la nueva apariencia (no hace falta hacer zapping desde el programa de Tinelli, para poder apreciarlo).
En muchas oportunidades valoramos un film porque nos permitió identificarnos con un personaje. Aquí no hay identificación con nadie y casi no sentimos lástima por ninguno: la situación es tan paradójica y violenta (por lo menos para mi) como es violenta cada muestra de cirugía, expresada cruda y cruelmente.
Me conmueve la libertad del autor en el manejo de la fotografía y en dar una vuelta de tuerca en su relato al hacer dialogar a su personaje a través de la máscara con su antigua cara.
También me interesó que el director evita todo ingrediente que no tenga que ver con la problemática sobre la que intenta concientizar: ni los trabajos de los personajes, ni sus familias, ni sus intereses mas profundos aparecen en el relato.
Reni agrega:
No sé por qué se llama “El tiempo”. Yo la hubiera titulado “La Imagen”.
Para mi el film da cuenta del poder de la imagen física en esta época posmodernista y decadente. Y se plantea el tema con imágenes. Ese es el gran logro. No hay grandes parlamentos sobre el tema pero ahí está planteado.
Lo único que importa en estos tiempos es lo que se ve. Ya no interesa lo que se es. Se es en función de lo que se ve. Y ¡oh ironía y paradoja! lo que se es finalmente trasciende la imagen exterior y es lo que se perpetúa a pesar de todos los cambios exteriores.
En determinado momento todos los personajes se me confundieron. No sabía quién era quién. Me dije: no distingo las diferencias de los rostros orientales. Pero luego llegué a pensar que quizás era eso lo que el director quería mostrar. Con tanta publicidad acerca de la maravilla de la cirugía estética, todos terminan siendo iguales; todos un cliché. Todos máscara y esta la imagen con la que cierra la película: millones de personas irreconocibles, iguales.
Lo único perdurable es el arte, mostrado a través de las esculturas en la isla que, a pesar de las mareas y del paso del tiempo, permanecen inmutables dando testimonio de lo que es verdadera belleza: la creación artística representada así mismo por esas manos entrelazadas que apuntando al cielo, a lo permanente, a lo inmutable cobijan a los amantes desasosegados, que buscan en lo exterior, en la pura imagen aquello de lo que carecen en su interior denegado y rechazado.
También el café me pareció que daba cuenta de esta problemática. Los personajes se ubican siempre en la vidriera del bar, se hacen ver y se dejan ver; eso es lo que tiene valor.
La música acompaña en algunos tramos de la película; cuando la chica está sola y llora, cuando está con el cirujano plástico pero, en general, se escuchan los sonidos ambientales.
La fotografía, la puesta en escena, el montaje: impecables.
Cuenta una historia cuyo argumento es Universal, pero lo hace con un encuadre contemporáneo y brutal, tan brutal como el abordaje actual que tienen muchos o jóvenes y no tanto, con el mismo tema: los celos, el desgaste, el paso del tiempo. Factores que afectan a todas las parejas. Dicen muchos psicólogos que finalmente, lo único que busca cada persona es amar y ser amado.
La problemática es cruda y el director la transmite a través de un relato crudo: allí su ideología ya que busca que la gente tome conciencia de una situación que en muchos ronda escondida en su inconsciente.
No hay sutilezas. Las cosas crueles se muestran cruelmente; hiperrealísticamente. La falta de paz interior se muestra con todas sus consecuencias.
El relato es circular, diría que laberíntico, mostrando que la salida es difícil o no existe. Todos los cambios exteriores son tan dolorosos que, en términos de balance o de costo-beneficio, nunca aportan el éxito que la gente deposita en ellos tanto en términos de belleza, de contrarrestar el paso del tiempo, de facilitar la obtención de trabajo, de seducción.
¿Cuál es el tema central de la película?. ¿El amor?. ¿El envejecimiento físico?. ¿La histeria?. ¿El descontrol?. ¿Actuar como respuesta a impulsos histéricos o incentivados por drogas y/o alcohol?. ¿Creer en la banalidad de pensar que cambiado el rostro cambiará el mundo a favor de los deseos del personaje?. O quizás una exquisita combinación de todos ellos. Una problemática hiperactual de hombres y mujeres. Quizás sea un problema de cómo se construye la identidad:
Leí un comentario que dice: La película nos pone durante unos segundos en la piel de quien ha cambiado la suya, en la carne de quien ya no tiene la propia porque no la soporta, en los ojos del que está afuera de todo, afuera del mundo, fuera de sí.
La histeria es mostrada desde varios puntos. El objetivo es sólo ser objeto del deseo y no su concreción. Tal como se aprecia en la rueda de 3 parejas, donde el gordo y borracho le pega al compañero que toca a la compañera de aquel, a pesar de tener el gordo su propia pareja, la invitación a pasar la noche en la casa de una personaje y echar a su compañero cuando se produce el primer acercamiento físico con objetivos sexuales, los diálogos abruptos en el bar...
Es muy interesante la ubicación de los personajes en la isla de los sueños: todas las piezas artísticas están relacionadas con el sexo. Son figuras elaboradas, (ninguna explícita), todas referidas a desnudos o situaciones sexuales. Son representación de las fantasías de todos los que la visitan. Pero esas fantasías desaparecen rápidamente con la crecida del agua que baña las costas: son fantasías muy etéreas. La única formación que queda es una en la cual suben (como símbolo de elevación) y es la única que les facilita algún dialogo.
La obtención de nuevas bellezas físicas es un paradigma moderno (obsesión por las apariencias). Se ve claramente en dos intervenciones del cirujano, mediante dos preguntas totalizadoras: ¿querés que te haga irreconocible?, ¿querés volver a ser la que eras?
Hay otro paradigma asociado: la violencia es ejercida por los personajes sobre si mismos cuando tradicionalmente se lo hacía para con terceros.
La piel es una delgada capa que comunica dos tipos de bellezas de un mismo y único cuerpo: un rostro severo es un muestra de durezas internas o de historias de sufrimiento. Un rostro afable (posible forma de belleza) espeja calidez generalmente fabricada por un interior armónico. Por lo tanto, un cambio de forma exterior (sin mediar reparación de un accidente traumático) difícilmente resuelva las dificultades generadas por el interior de una persona. Para conformarlo, recordemos la frase del personaje cuando dice “las cosas salieron como yo quería pero no me veo feliz” ó “cerrá los ojos y pensá en otra mujer para poder tener sexo completo”.
La película habla de la mengua de sentimientos críticos de la persona, de la falta de tomar posición en ciertos aspectos: se presta a la publicidad para la obtención de la belleza sin medir los medios a emplearse para su logro. Sigue como manada a la promesa publicitaria ofrendando su interior en busca de la forma que el tiempo impuso. Seguramente lo hará con la nueva apariencia (no hace falta hacer zapping desde el programa de Tinelli, para poder apreciarlo).
En muchas oportunidades valoramos un film porque nos permitió identificarnos con un personaje. Aquí no hay identificación con nadie y casi no sentimos lástima por ninguno: la situación es tan paradójica y violenta (por lo menos para mi) como es violenta cada muestra de cirugía, expresada cruda y cruelmente.
Me conmueve la libertad del autor en el manejo de la fotografía y en dar una vuelta de tuerca en su relato al hacer dialogar a su personaje a través de la máscara con su antigua cara.
También me interesó que el director evita todo ingrediente que no tenga que ver con la problemática sobre la que intenta concientizar: ni los trabajos de los personajes, ni sus familias, ni sus intereses mas profundos aparecen en el relato.
Reni agrega:
No sé por qué se llama “El tiempo”. Yo la hubiera titulado “La Imagen”.
Para mi el film da cuenta del poder de la imagen física en esta época posmodernista y decadente. Y se plantea el tema con imágenes. Ese es el gran logro. No hay grandes parlamentos sobre el tema pero ahí está planteado.
Lo único que importa en estos tiempos es lo que se ve. Ya no interesa lo que se es. Se es en función de lo que se ve. Y ¡oh ironía y paradoja! lo que se es finalmente trasciende la imagen exterior y es lo que se perpetúa a pesar de todos los cambios exteriores.
En determinado momento todos los personajes se me confundieron. No sabía quién era quién. Me dije: no distingo las diferencias de los rostros orientales. Pero luego llegué a pensar que quizás era eso lo que el director quería mostrar. Con tanta publicidad acerca de la maravilla de la cirugía estética, todos terminan siendo iguales; todos un cliché. Todos máscara y esta la imagen con la que cierra la película: millones de personas irreconocibles, iguales.
Lo único perdurable es el arte, mostrado a través de las esculturas en la isla que, a pesar de las mareas y del paso del tiempo, permanecen inmutables dando testimonio de lo que es verdadera belleza: la creación artística representada así mismo por esas manos entrelazadas que apuntando al cielo, a lo permanente, a lo inmutable cobijan a los amantes desasosegados, que buscan en lo exterior, en la pura imagen aquello de lo que carecen en su interior denegado y rechazado.
También el café me pareció que daba cuenta de esta problemática. Los personajes se ubican siempre en la vidriera del bar, se hacen ver y se dejan ver; eso es lo que tiene valor.
La música acompaña en algunos tramos de la película; cuando la chica está sola y llora, cuando está con el cirujano plástico pero, en general, se escuchan los sonidos ambientales.
La fotografía, la puesta en escena, el montaje: impecables.
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